Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

La colección de fotografía histórica es la incorporación más reciente a los fondos del Museo del Prado. Ahora, la pinacoteca le dedica una completa exposición que reúne imágenes de autores nacionales e internacionales como Laurent, Moreno, Anderson o Hanfstaengl.

La muestra arranca con una de las primeras fotografías exhibidas en el Prado en 1899 y propone un recorrido por el edificio de Villanueva y por las reproducciones de obras hoy icónicas de la colección. Además, reconoce el papel clave de fotógrafos como Juan Laurent y José Lacoste en la difusión visual y la proyección pública del museo.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge la exposición 'Bellezas del mundo flotante', que reúne 77 obras maestras del grabado japonés de los siglos XVIII y XIX, procedentes de la Colección Pasamar-Onila. Concretamente, la muestra se centra en el género bijin-ga —imágenes de mujeres bellas— y ofrece un recorrido por la edad de oro de esta tradición artística.

La exposición combina estampas en formato ōban con piezas menos habituales como hashira-e, dípticos, trípticos y un excepcional políptico de seis hojas, tomando como punto de partida obras de Suzuki Harunobu, pionero de la técnica nishiki-e. 

El Museo Thyssen presenta la primera gran retrospectiva en España del danés Vilhelm Hammershøi, un artista que conecta con la modernidad del siglo XX sin perder de vista la herencia de los viejos pintores flamencos.

Cerca de cien obras del autor danés nos acercan a sus interiores fríos e inquietantemente tranquilos. Estas enigmáticas escenas han sido objeto de numerosas interpretaciones en los últimos años y es que la pintura de Hammershøi se ve, pero también se puede escuchar con la mirada. Al observar sus cuadros podemos apreciar el silencio hecho pintura, una quietud tensa, como si algo fuera a suceder, o todo lo contrario, no terminara de ocurrir. Esta muestra quiere poner en diálogo las obras del artista con los maestros del pasado, como los holandeses del siglo XVII, y las grandes figuras del siglo XIX y XX, como Edward Hopper.

El Museo Reina Sofía dedica una gran retrospectiva a Alberto Greco en la que recorre la trayectoria breve pero explosiva de uno de los nombres clave de la vanguardia experimental. Poeta, performer y flâneur radical, Greco convirtió su propia vida en materia artística y fue el fundador del llamado arte vivo, una práctica adelantada a su tiempo.

La exposición reúne obras realizadas en el periodo que va de 1949 a 1965, entre las que hay escritos, pinturas, acciones, collages y objets vivants, y pone el foco en su gesto más radical: llevar el arte a la calle y confundirlo con la vida cotidiana. Firmar personas, declarar ciudades como obras de arte o intervenir el espacio público formaron parte de una aventura creativa abierta, imprevisible y profundamente contemporánea.

El Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa acoge una exposición dedicada al diseñador André Ricard y a su forma de entender lo cotidiano. Lejos de un recorrido cronológico, la muestra organiza sus piezas según los espacios donde cobran sentido: la mesa, el baño, la cocina o la memoria. Todo, para poner en valor esos objetos “invisibles” que forman parte natural de nuestra vida diaria.

Comisariada por el propio Ricard, la exposición presenta los diseños en contexto y sin vitrinas, subrayando su sencillez, precisión y vigencia. El recorrido se apoya en textos que explican los momentos clave de su trayectoria desde sus inicios hasta los Juegos Olímpicos de 1992, y cuenta con la colaboración del coleccionista Alejandro Mena y del archivo del Museu del Disseny – Disseny Hub Barcelona.

La ilustradora Ana Juan da un paso más en su trayectoria con este proyecto, en el que extiende el dibujo hacia otras dimensiones, como la animación o la escultura. Wunderkammer significa "cámara de maravillas" en alemán, pero los tesoros que reúne esta propuesta no proceden de otros países o culturas, sino que pertenecen a la propia artista. Las piezas de esta muestra, creada y producida para CentroCentro, forman parte de un universo creativo configurado por Juan a lo largo de su trayectoria. Estas maravillas reunidas aglutinan personajes imaginarios e historias en las que luchan, se transforman o se relacionan. A través de estas escenas, la artista invita a realizar nuestras propias interpretaciones de lo que vemos y sucede en sus obras para así hacerlas nuestras y convertirlas en nuestra propia wunderkammer, un lugar mágico donde almacenar nuestros tesoros.

El Museo del Prado presenta la tercera edición de El Prado en femenino, dedicada a las grandes figuras femeninas del siglo XVIII que impulsaron su colección artística. La muestra pone el foco en Isabel de Farnesio, destacando su papel clave en la política cultural del periodo y su labor como promotora de una colección que llegó a reunir cerca de mil pinturas, muchas hoy esenciales en el museo.

A través de retratos, documentos y obras, la exposición rescata también a otras reinas como María Luisa Gabriela de Saboya o María Luisa de Parma, subrayando su influencia en el gusto artístico y el coleccionismo real. Comisariada por Noelia García Pérez, la propuesta combina rigor histórico con una mirada contemporánea que reivindica el papel de estas mujeres como verdaderas arquitectas del patrimonio del Prado.

El Círculo de Bellas Artes presenta una exposición que repasa su periodo de renovación iniciado en 1983. Esta etapa transformó la institución en un centro cultural multidisciplinar y abierto al público, consolidándose en las décadas de los ochenta y noventa como un referente del debate contemporáneo y con proyección internacional.

La muestra reúne obras, registros fotográficos y audiovisuales que ilustran cómo el Círculo incorporó enseñanza, arte, música, cine y arquitectura, y organizó iniciativas pioneras como el Festival Nacional de Vídeo o el festival de fotografía FOCO. La exposición permite comprender cómo la institución se reinventó como un espacio plural y experimental, motor del despertar creativo de la España democrática, con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E).

El Nomad Museo Inmersivo propone un viaje visual por algunas de las revoluciones artísticas que cambiaron la historia del arte. La exposición 'De Monet a Kandinski. Arte revolucionario' reúne movimientos clave como el impresionismo, el puntillismo, el cubismo o el expresionismo a través de una experiencia inmersiva que mezcla proyecciones en gran formato, animaciones y música envolvente.

Durante unos cuarenta minutos, el público se sumerge literalmente en los colores y las formas de un periodo que rompió con todas las reglas. Las obras de artistas como Claude Monet, Vincent van Gogh, Paul Gauguin o Vasili Kandinski cobran vida en pantallas gigantes que envuelven la sala.

CaixaForum alberga una exposición que explora el desenfoque como recurso artístico, desde los nenúfares de Monet hasta la creación contemporánea. La muestra propone una reflexión sobre lo borroso, lo impreciso y lo inacabado como formas de expresión y de percepción del mundo, reivindicando el desenfoque como una elección estética y no como un error visual.

Concebida por el Musée de l’Orangerie de París en colaboración con la Fundación la Caixa, la exposición recorre las raíces del desenfoque desde el siglo XIX hasta hoy, a través de pinturas, vídeos, fotografías e instalaciones de artistas como Monet, Giacometti, Richter, Rothko, Soledad Sevilla, Bill Viola o Christian Boltanski, entre otros. Un viaje sensorial por las fronteras de la claridad y la confusión que invita a mirar el arte —y la realidad— de otro modo.

El Museo Reina Sofía acoge una instalación dedicada a 'Sirat', la última película del cineasta Oliver Laxe, Premio del Jurado en Cannes 2025. Concebida como una proyección instalativa, la muestra utiliza el escenario de una rave para abrir una reflexión sobre la práctica colaborativa y explorar, desde lo cinematográfico, una microetnografía que combina misticismo, búsqueda personal y aprendizaje de otras culturas.

El montaje permite ampliar los límites de la pantalla tradicional, integrando localizaciones en Marruecos y Aragón dentro de un dispositivo expositivo que potencia la naturaleza híbrida del filme. La instalación se completa con una selección de otras obras de Laxe que muestran la evolución de su lenguaje y la dimensión personal de su práctica.

Siempre se ha mantenido al margen de las tendencias y ha trabajado su estilo personal durante más de 60 años. Esta muestra en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid reconoce y pone en valor la trayectoria artística de Jordi Teixidor, uno de los máximos representantes de la abstracción española. Su recorrido profesional está marcado por su vinculación al Museo de Arte Abstracto Español, donde ejerció como conservador cuando apenas tenía 25 años. Y es que, a lo largo de su producción, si ha habido una constante, es la pintura abstracta, con la que el artista busca provocar un espíritu crítico y reflexivo. Premio Nacional de Artes Plásticas, Teixidor cuestiona el arte desde el arte, la pintura desde su práctica y la existencia desde el cuestionamiento de la misma.

Fue una de las primeras mujeres que se pudo ganar la vida como fotógrafa, gracias una exposición individual que organizó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Sin embargo, la trayectoria de Helen Levitt arrancó en 1931, cuando comenzó a trabajar en un pequeño estudio de fotografía del Bronx. Los barrios más humildes de Nueva York son, a menudo, escenario de sus fotografías más conocidas. En esta muestra podemos ver estas imágenes y otras inéditas, así como los trabajos que realizó en México en 1941 y una excelente muestra de su obra en color, técnica que abordó a partir de la década de 1950. También se presenta el documental In the Street (1948), que codirigió.

Como curiosidad, Levitt siempre evitó explicar o comentar sus imágenes. Esto ha dado lugar a muchas interpretaciones y versiones, todas válidas, porque el verdadero valor de las fotografías de Levitt es la forma en que conecta con las personas.

Los artistas ucranianos Roman Khimei y Yarema Malashchuk que analiza cómo la invasión rusa ha transformado el espacio público y la vida cotidiana en su país. A partir de imágenes de cámaras de videovigilancia en Kiev, la muestra revela cómo la guerra quiebra los ritmos diarios y pone en tensión las estructuras democráticas, entre la fragilidad de la paz y la persistencia de la memoria.

Cineastas y artistas visuales desde 2016, Khimei y Malashchuk trabajan entre el documental y la ficción para abordar la historia reciente del país. La exposición reúne tres videoinstalaciones: 'Open World', 'You Shouldn’t Have to See This' y 'Pedagogies of War: War at Distance'. Todas ellas entrelazan experiencia personal y memoria colectiva en un relato visual tan incómodo como necesario.

La exposición colectiva 'Sour Select: destilados ácidos y esencias contemporáneas' llega a Est_Gallery de Alcobendas, parte del espacio Est_ArtSpace. La muestra propone una lectura del arte contemporáneo desde la idea de la extracción: exprimir aquello que contiene intensidad, aislar lo esencial y destilar un gesto que perdure. Como en un proceso alquímico, la muestra reúne prácticas que no buscan la suavidad ni el consenso, sino ese punto exacto de fricción donde la imagen se vuelve activa, punzante y necesaria.

Cada artista trabaja desde su trayectoria personal y su propio lenguaje. Los participantes son DEIH, Diego Cerero Molina, Gabi de la Merced, Gyuk, Jaime Sancorlo, Jazzy Dope, Jesús Aguado, Juanjo Surace, Juli About, Luciano Sánchez, MalOjo, Miguel Piñeiro, Óscar Llorens, Penelope Clarinha, Penrider y Reme Amorós

El artista brasileño Marlon de Azambuja lleva a La Casa Encendida una instalación escultórica que transforma el espacio en un territorio vivo, donde la materia y la arquitectura dialogan con el pensamiento, invitando al visitante a atravesar, respirar y habitar la obra en lugar de limitarse a observarla. La obra reflexiona sobre el acto de "fundar" y el concepto de museo, planteándolo como un lugar sensible y situado que acoge experiencias y formas de pensamiento más cercanas y participativas.

Marlon de Azambuja, nacido en la ciudad de Porto Alegre en 1978 y afincado en París, trabaja con instalación, escultura, vídeo, fotografía y dibujo para cuestionar la relación entre espectador, espacio y arquitectura. Sus intervenciones, precisas y contenidas, buscan desvelar lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad y abrir nuevas lecturas críticas sobre la ciudad y los sistemas que organizan nuestra percepción del mundo.

Las salas de exposiciones temporales del Museo Nacional de Antropología acogen una muestra de la artista Agnes Essonti, integrada en la programación especial por el 150º aniversario de la institución.

La exposición gira en torno a la investigación de Essonti sobre la restitución de objetos expoliados y su dimensión espiritual, comunitaria y simbólica. A través de imágenes y piezas propias que dialogan con fondos del museo, la artista propone formas de comunicación más allá de la palabra y reflexiona sobre la identidad afrodescendiente y su vínculo con África central, territorio ancestral de referencia.

La Sala Pórtico del Museo Lázaro Galdiano presenta por primera vez en España una videoinstalación del artista y cineasta británico Isaac Julien, quien aborda los debates sobre la restitución de arte africano expoliado durante el colonialismo y reivindica la influencia decisiva del arte africano en las vanguardias europeas del siglo XX, desde el Harlem Renaissance hasta la cultura queer negra.

La instalación, compuesta por dos pantallas, imagina un diálogo entre el filósofo Alain Locke y el coleccionista Albert C. Barnes para cuestionar el origen real de muchas colecciones occidentales. El proyecto se completa con proyecciones en el Filmoteca Española y un encuentro con el propio Julien.

El Thyssen celebra el centenario de Robert Rauschenberg con 'Rauschenberg: Express. Dentro y fuera del taller', una exposición que gira en torno a 'Express' (1963), una de las obras clave del artista estadounidense, y propone una lectura renovada de su universo creativo desde la iconografía hasta su inconfundible espíritu experimental.

La exposición explora cómo Rauschenberg rompió las barreras entre disciplinas y colaboró con la danza, la performance o la ciencia, consolidando una forma de entender el arte abierta y radicalmente contemporánea. Una cita imprescindible para entender por qué su obra marcó un antes y un después tras su consagración en la Bienal de Venecia y por qué sigue influyendo en el arte actual.

El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge, dentro del programa de Madrid Design Festival 2026, la exposición 'Manifiesto Mediterráneo', que propone repensar la forma en que habitamos el mundo a través del diseño. Con obras de más de 30 artistas y creadores, desde jóvenes talentos hasta nombres consolidados, la exposición reivindica la artesanía como herramienta cultural y política. 

A partir de una selección de muebles creados por diseñadores, en su mayoría europeos, la muestra plantea un cambio de paradigma que pone en cuestión los ritmos de la industria y el consumo contemporáneo. Textiles, cerámica, vidrio, madera o cestería dialogan con enfoques más experimentales y contemporáneos para recuperar el legado mediterráneo, su relación con el paisaje y una manera de vivir más consciente, sostenible y conectada con los objetos y su historia.

La Fundación Juan March presenta una exposición que pone en diálogo dos pequeñas tablas realizadas por un seguidor de El Bosco con una selección de obras contemporáneas marcadas por lo surreal, lo fantástico y lo metamórfico. Un recorrido que rastrea la huella del pintor neerlandés más allá de su tiempo.

Las tablas, 'El Cielo' y 'El Infierno', formaron parte de un tríptico perdido sobre El Juicio Final y sirven como punto de partida para mostrar cómo la imaginación desbordante, la sátira moral y el humor negro de El Bosco siguen influyendo en el arte actual. De André Breton a las herramientas digitales y la inteligencia artificial, la exposición revela una tradición visual que convierte la fantasía en una forma de pensar el mundo.

El Museo de Arte Contemporáneo, ubicado en el Conde Duque, acoge una exposición centrada en la apariencia exterior de las tiendas, un elemento clave en la identidad urbana. A través de fachadas y escaparates, distintos artistas muestran cómo han cambiado las ciudades y cómo estos espacios funcionan como espejos que reflejan nuestra vida cotidiana.

La muestra, ubicada en la segunda planta del Museo, reúne obras de creadores que han explorado esa fascinación por los escaparates. El recorrido incluye figuras esenciales como Alfredo Alcain o Amalia Avia, junto a fotógrafos como César Lucas y Gerardo Vielba, y se completa con miradas contemporáneas como las de Ángel Sanz, Boris Savelev y Amy Chang.

La sede del Círculo de Bellas Artes es un icono de Madrid. Ahora, su Sala Goya alberga una exposición dedicada a su origen, diseño y construcción, obra del influyente arquitecto Antonio Palacios.

Finalizado en 1926, el edificio se ha convertido en uno de los grandes emblemas culturales de Madrid y en testigo de la evolución urbana y artística de la ciudad. La muestra reúne planos originales, dibujos, fotografías de época y materiales inéditos del concurso de 1919, que permiten reconstruir el proceso creativo y técnico del proyecto. 

La Fundación Mapfre decica una amplia exposición a Anders Zorn, uno de los grandes pintores suecos de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Zorn fue un maestro del óleo, la acuarela y el grabado, y alcanzó fama internacional como retratista de reyes, presidentes y figuras clave de su tiempo. Todo ello, con un estilo propio marcado por la luz y la modernidad.

El recorrido abarca desde sus primeras acuarelas hasta su consolidación en París y Londres, sus viajes a Estados Unidos y su mirada íntima sobre la vida cotidiana en Suecia. La muestra reúne retratos, desnudos y paisajes, incluyendo su etapa española en ciudades como Sevilla, Cádiz y Granada, y subraya el diálogo artístico que mantuvo con Joaquín Sorolla, conectando la pintura nórdica con la tradición mediterránea.

Con motivo del centenario de su edificio, el Círculo de Bellas Artes impulsa una gran instalación artística colectiva que reúne a artistas, activistas y colectivos cuyas prácticas desbordan las categorías tradicionales y propone una reflexión crítica sobre el papel del arte en la ciudad, las instituciones y la vida común.

La iniciativa toma como referencia el espíritu insumiso de 'El sueño imperativo' (1991), una exposición histórica que convirtió el Círculo en un espacio de fricción política y poética. Participan creadores como Dagoberto Rodríguez, Rogelio López Cuenca, Isidoro Valcárcel Medina, Itziar Okariz, Los Carpinteros, María Salgado, Pedro G. Romero o Tino Sehgal, entre otros, y se suma además un trabajo de recuperación de la obra Sky Goddess, Minerva (1991) de Nancy Spero, a cargo de la restauradora Rocío Casasus, como gesto de diálogo entre memoria, presente y disrupción artística.

Madrid es la gran protagonista de la exposición que el Museo de Historia, con una selección de obras de José Miguel Palacio que convierten la ciudad en un escenario en constante movimiento. Más de 70 óleos, junto a esculturas y dibujos, retratan el pulso urbano con un hiperrealismo casi fotográfico: aviones, carreteras, reflejos en parabrisas o escenas de la Gran Vía capturadas desde una mirada obsesiva por el detalle y el ritmo frenético de la vida cotidiana.

Uno de los puntos fuertes es el políptico 'Madrid al cielo', compuesto por 30 pinturas que elevan la mirada sobre calles, plazas y estaciones emblemáticas como Callao, Atocha o Serrano. Palacio, artista multidisciplinar que desde el año 2000 se ha volcado en el hiperrealismo, firma aquí un retrato contemporáneo de Madrid que oscila entre la precisión técnica y la fascinación por una ciudad que nunca se detiene.

La Casa Árabe acoge una exposición del artista iraquí Hanoos Hanoos en la que el mito de Babel se cruza con la historia reciente de Iraq para reflexionar sobre una herencia cultural marcada a la vez por el esplendor y la tragedia.

A través de un lenguaje visual cargado de simbolismo, el artista conecta lo ancestral y lo contemporáneo para hablar de poder, violencia y fragilidad humana desde una perspectiva personal y colectiva. 

La artista C. S. Leyva pone el foco en aquellas mujeres que la historia oficial dejó en segundo plano en la exposición 'Des-caradas. Mujeres históricas vistas con los ojos de hoy'. Lo hace a través de un lenguaje visual contemporáneo, para cuestionar los relatos heredados y reivindicar su peso político, social e intelectual en contextos dominados por el poder masculino.

La exposición propone un cara a cara con rostros cargados de fuerza simbólica que interpelan al visitante y lo obligan a mirar de nuevo identidad, memoria y representación. Comisariada por Juan Antonio Ramírez, con textos de Luis Fernández Cifuentes, podrá visitarse del 16 de enero al 26 de abril de 2026 en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico–CSIC, un escenario perfecto para este diálogo entre arte, historia y presente.

El Museo Casa de la Moneda acoge una exposición que recorre la trayectoria de Esther Ferrer, destacada artista vasca y referente de la performance en España. Tras recibir el Premio Tomás Francisco Prieto, la muestra antológica presenta sus creaciones desde los años 70, evitando un orden cronológico para explorar relaciones internas entre sus diferentes series.

Comisariada por Beatriz Martínez Hijazo, la exposición destaca las dualidades presentes en su obra, como espacio y tiempo, rigor y absurdo, o palabra y acción, así como su cuestionamiento constante del objeto artístico. Incluye piezas inéditas y tres instalaciones diseñadas para la ocasión: un suelo de vinilo inspirado en su 'Poema de los números primos, Perfiles' de su primera muestra individual en España y 'La otra caída', recreación de una obra perdida de 1983.

El Centro Arte Complutense dedica una gran exposición monográfica a Quisqueya Henríquez, figura clave del arte contemporáneo caribeño y latinoamericano. La muestra recorre toda su trayectoria a través de instalaciones, vídeos, fotografías, esculturas y performances que exploran temas como la identidad, la cultura visual, la hibridez caribeña o la relación entre ciudad, consumo e imaginarios globales.

Considerada la revisión más completa de su obra en Europa hasta la fecha, la exposición sitúa el legado de la artista, nacida en La Habana y estrechamente vinculada a República Dominicana, dentro del panorama internacional del arte contemporáneo.

La Casa de la Arquitectura acoge una exposición de Fernando Maquieira que se adentra en la arquitectura popular de La Palma a través de la fotografía. A partir de fragmentos de viviendas, colores y geometrías, la muestra propone una reflexión visual sobre identidad y memoria colectiva, dentro del compromiso de la institución por analizar la arquitectura desde miradas contemporáneas.

Las imágenes de 'El código de las formas' funcionan como un archivo sensible de una arquitectura vernácula en riesgo de desaparecer, planteando si su carácter nace de una identidad compartida o de la suma de historias individuales.

José María Sicilia interviene las estancias más emblemáticas del Palacio de Liria con una serie de obras y una instalación creadas expresamente para el lugar, integrando las piezas con la arquitectura y la memoria del palacio.

La exposición combina obras recientes con piezas de etapas anteriores del artista, ofreciendo una visión amplia de su trayectoria y creando un recorrido sensorial y conceptual por espacios como la biblioteca, el salón de baile y los salones de la emperatriz Eugenia de Montijo. 

La Filmoteca Española propone echar un vistazo a nuestra propia historia con 'NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo'. La exposición pone el foco en los noticiarios y documentales que durante décadas moldearon el imaginario colectivo, disfrazando propaganda de entretenimiento y construyendo un relato oficial tan eficaz como perturbador.

Ocho décadas después de su nacimiento, la muestra se pregunta qué hacemos hoy con esas imágenes y qué lugar ocupan en nuestra memoria audiovisual. El proyecto dialoga con la propia misión del centro: conservar, contextualizar y activar el cine como herramienta crítica, no solo como archivo del pasado, sino como espejo incómodo del presente.

El Pabellón Transatlántico de la Residencia de Estudiantes acoge una exposición que revisa uno de los periodos más convulsos de la historia reciente de España, desde la Primera Guerra Mundial hasta la consolidación del régimen franquista. 

El recorrido conecta los grandes acontecimientos internacionales con su impacto directo en la cultura, la política y la vida cotidiana de nuestro país. La muestra presenta por primera vez la Colección José María Castañé, un fondo de cerca de 5.000 documentos originales entre fotografías, cartas, carteles o archivos administrativos organizados en cinco bloques temáticos. A través de todo ello, se reconstruyen episodios clave del siglo XX y se subraya el papel de la Residencia de Estudiantes como espacio de resistencia cultural y memoria histórica.

Los gestos y su profundidad marcan la propuesta de la barcelonesa Lola Lasurt. La artista toma como referencia las piezas Deep Song e Immediate Tragedy, creadas por la bailarina y coreógrafa Marta Graham en 1937, como respuesta a las imágenes de la Guerra Civil española. Las obras de Graham se presentaban juntas, en una doble función que estuvo en cartelera hasta mediados de los años 40. En los años 80 se intentaron recuperar las coreografías a través de fotos y recuerdos de los miembros de la compañía. Ahora, Lola Lasurt recoge toda esta información para realizar un ejercicio de reconstrucción imaginativa desde la perfomance y la pintura. Tras bailar Deep Song, la artista ha realizado tres series pictórica de gran formato donde analiza la coreografía, la Guerra Civil y los conflictos bélicos actuales. Estas piezas dialogan con un video que muestra a Lasurt estudiando la coreografía de Deep Song antes de comenzar a pintar.

CentroCentro acoge una instalación inmersiva de Javier Garcerá que combina obras recientes y piezas creadas a lo largo de treinta años. La luz juega un papel central en una propuesta donde cuadros monumentales, casi como retablos, dialogan con el espacio y evidencian la coherencia estética, conceptual y ética del artista.

La exposición reivindica una forma de mirar más lenta y reflexiva frente al ritmo visual frenético actual. Garcerá mezcla referencias clásicas con escenas cotidianas y paisajes en ruinas para construir una alegoría crítica y poética de los tiempos de crisis, invitando al público a un regreso íntimo al silencio y a la introspección.

La Sala A de La Casa Encendida presenta un proyecto de la artista iraní Hoda Afshar que parte del archivo del psiquiatra y fotógrafo francés Gaëtan Gatian de Clérambault, compuesto por miles de imágenes tomadas en Marruecos a mujeres veladas.

A partir de este material, Afshar reflexiona sobre el orientalismo, el colonialismo y los mecanismos de control que determinan cómo miramos y qué se nos permite ver. La exposición combina fotografía analógica, vídeo, animación digital e instalación para cuestionar las relaciones entre imagen, poder y percepción.

La exposición 'Alegorías de un porvenir' revisa el impacto del art déco en la histórica sede de Cibeles, centrándose en la ampliación de los años 30 dirigida por José Yárnoz. La muestra reconstruye la creación de espacios emblemáticos como el Patio de Operacionesl, con una de las mejores vidrieras art déco de Europa, y la Cámara del Oro, abierta justo antes de la Guerra Civil.

En total, el recorrido reúne casi 150 piezas, muchas inéditas, entre bocetos, cartones, mobiliario, planos o fotografías. Con un enfoque crítico, invita a repensar las tensiones de una modernidad deseada y conflictiva, mostrando cómo estos relatos visuales han moldeado nuestra percepción del tiempo presente.

El Museo ABC alberga una pequeña exposición que reúne aspectos más significativos de la Colección ABC, tomando como punto de partida a Torcuato Luca de Tena como fundador de Blanco y Negro y ABC, de su archivo y de la importancia que siempre le dio al arte y la ilustración.

La muestra se compone de 29 originales y varios soportes digitales que muestran fotografías y más ilustraciones, que presentan un recorrido por la historia de la Colección ABC desde sus inicios en el lejano 1891.

CentroCentro acoge 'El pico al aire', una gran instalación pictórica de Javier Garcerá pensada para dialogar con el espacio. Cuadros monumentales, muchos creados ex profeso, conviven con obras de las últimas tres décadas en una experiencia inmersiva donde la luz juega un papel clave y convierte la visita en algo casi físico, cercano a la idea de retablo contemporáneo.

Garcerá propone justo lo contrario al scroll infinito: parar, mirar y mirar. Su pintura, atravesada por ecos de Fra Angelico o Manet y por escenas de lo cotidiano, ruinas y paisajes abandonados, invita a una contemplación lenta y consciente. 

La Galería de las Colecciones Reales acoge una exposición dedicada a Victoria Eugenia de Battenberg, que invita a recorrer su vida y legado a través de unas 350 piezas entre obras, documentos, libros y fotografías.

La muestra revisita en clave contemporánea la figura de una reina consorte moderna que combinó su papel institucional con un firme compromiso social y humanitario. Nietra de la reina Victoria I de Inglaterra y esposa de Alfonso XIII, Victoria Eugenia trajo a la corte española un estilo más cercano y reformista. Alejada de la política, impulsó importantes iniciativas benéficas, como la reorganización de la Cruz Roja Española, la Liga Antituberculosa y la creación de la Liga contra el Cáncer, dejando una huella profunda en la historia social de la monarquía.

Chipre es una isla fascinante y llena de secretos. Ahora, el Museo Arqueológico Nacional estrena una exposición que reúne una cuidada selección de piezas de la colección chipriota del museo, estrechamente vinculadas al histórico Viaje a Oriente de la Fragata Arapiles.

Las obras proceden en su mayoría de la antigua necrópolis de Larnaca (Kition) y llegaron a Madrid tras la expedición de 1871, impulsada para nutrir al entonces recién creado MAN. Entre esculturas en piedra caliza y una notable colección de cerámicas, la exposición ofrece un vistazo directo a los orígenes de la arqueología en el museo.

El Museo Casa de la Moneda acoge la muestra 'El nacimiento de la moneda. Tesoros de la colección Zhuyuetang', una exposición que reúne 148 piezas singulares procedentes de una de las colecciones privadas más relevantes del mundo.

La muestra invita a recorrer los dos primeros siglos de la historia de la moneda, desde su invención en el oeste de la actual Turquía a mediados del siglo VII a.C., hasta su consolidación como instrumento esencial en la vida económica, social y política del Mediterráneo antiguo.

El Museo Reina Sofía dedica una gran exposición al artista cántabro Juan Uslé, la primera en dos décadas tras su recordada Open Rooms. La muestra recorre más de cuarenta años de trayectoria a través de diez salas concebidas como un viaje no lineal, donde pasado y presente dialogan en un mismo espacio.

Conocido por su lenguaje abstracto, su juego entre luz, ritmo y color, y su capacidad para fundir lo íntimo con lo universal, Uslé se confirma como una figura esencial del arte contemporáneo español. Esta retrospectiva ofrece una nueva lectura de su obra, consolidando su lugar entre los artistas más influyentes de las últimas décadas.

CentroCentro acoge 'El pico al aire', una gran instalación pictórica de Javier Garcerá pensada para dialogar con el espacio. Cuadros monumentales, muchos creados ex profeso, conviven con obras de las últimas tres décadas en una experiencia inmersiva donde la luz juega un papel clave y convierte la visita en algo casi físico, cercano a la idea de retablo contemporáneo.

Garcerá propone justo lo contrario al scroll infinito: parar, mirar y mirar. Su pintura, atravesada por ecos de Fra Angelico o Manet y por escenas de lo cotidiano, ruinas y paisajes abandonados, invita a una contemplación lenta y consciente. 

La exposición 'Regeneraciones: China y España en el espejo' propone un diálogo entre España y China en torno a un reto compartido: regenerar la ciudad y la arquitectura heredada para avanzar hacia la sostenibilidad.

A través de más de setenta proyectos, se muestran iniciativas de rehabilitación, reutilización y acupuntura urbana que reactivan espacios y paisajes desde una mirada innovadora y consciente. La muestra entrelaza las propuestas de ambos países en un montaje especular que refleja afinidades y contrastes. El resultado es un recorrido visual y conceptual donde arquitectura y sociedad se encuentran para imaginar un futuro común basado en la cooperación y el aprendizaje mutuo.

La exposición 'Estratos. La inmortalidad de lo efímero' reúne una selección de los diarios de la artista Miluca Sanz. Inspirada en la poética de lo cotidiano y lo fugaz, Sanz convierte el paso del tiempo en materia artística, capturando instantes de la vida madrileña y fechándolos con la hoja del calendario Myrga correspondiente a ese día.

La muestra rescata su proyecto 'Diario-Calendario', creado originalmente en Instagram en 2013, y lo traslada al espacio expositivo con una nueva instalación creada especialmente para la ocasión. En ella, la artista presenta reliquias y objetos cotidianos asociados a esas imágenes, componiendo una suerte de arqueología íntima y urbana. 

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.

El exterior de la Nave 15 del Matadero acoge una conmovedora exposición de Estela de Castro que reúne 22 retratos pertenecientes a su proyecto 'The Animals', una serie que reivindica la fotografía como espacio de memoria y conciencia.

Durante dos años, la artista retrató a 122 animales en santuarios y centros de rescate, capturando con sobriedad y respeto la huella de vidas marcadas por la explotación o el abandono. En cada mirada hay una historia concreta, una presencia que interpela al espectador y lo invita a reconocer la individualidad de quienes suelen quedar fuera del foco social. Lejos de la espectacularidad o el artificio, De Castro apuesta por la calma y la cercanía como formas de resistencia. 

El Museo de América, en colaboración con la Embajada de Uruguay, alberga una exposición con fotografías de Luis Fabini que retratan a los gauchos, un colectivo del norte de Uruguay de vida austera y digna, poco afectado por los cambios del mundo moderno.

La muestra, ubicada en el claustro del museo, permite conocer este modo de vida ligado a la ganadería y al caballo, emparentado con otras tradiciones de América como los cowboys, charros, llaneros o huasos, mostrando la conexión profunda de estas comunidades con la tierra y su cultura.

Luis Pérez Calvo presenta 'Cromos del artista', un recorrido por la iconografía popular española de los años 60, 70 y 80 a través de dibujo, collage, pintura y cerámica. Su trabajo se nutre de la vida urbana y de las conexiones personales que conforman su universo creativo.

La muestra reúne una selección de piezas y un mural creado para la ocasión, donde la nostalgia se mezcla con la ironía y lo cotidiano se transforma en memoria colectiva. Con referencias al cómic, la publicidad y la cultura popular, el artista ofrece un homenaje vibrante a la creatividad y a la resistencia cultural.

El Museo Arqueológico Nacional presenta por primera vez diez esculturas maestras procedentes del Museo del Louvre y que establecen un diálogo entre las colecciones de escultura ibérica de ambas instituciones, procedentes de yacimientos del sureste peninsular.

Entre las piezas destacadas se encuentran las esfinges de Agost, los sillares de Osuna y las cabezas del Cerro de los Santos, obras ligadas a contextos rituales y funerarios que representan animales fantásticos, procesiones o exvotos. Una oportunidad única para apreciar la maestría técnica y la riqueza simbólica del arte ibérico, así como su pensamiento espiritual y su visión del tránsito al más allá.

Pintada por Pedro Pablo Rubens en 1638, 'El martirio de San Andrés' es una de las grandes obras del pintor alemán, y una de las que mejor refleja la teatralidad y el dramatismo propios del Barroco.

La obra representa la crucifixión de este apóstol en una cruz en forma de aspa, conocida como cruz de San Andrés. Una escena que no solo impacta por su belleza, sino que también transmite un mensaje de entrega y devoción religiosa.

En el contexto de la temporada shakesperiana del Teatro Real, 'El sueño de una noche de verano' rinde homenaje a Julia Margaret Cameron, pionera del retrato fotográfico en el siglo XIX, a través de una selección de imágenes y reproducciones emblemáticas.

La muestra establece un diálogo entre la fotografía y el teatro, entre el claroscuro de las emociones humanas y la luz simbólica de los grandes relatos.