Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

La Sala Recoletos de Fundación MAPFRE dedica una nueva exposición al prerrafaelismo, el movimiento artístico que nació en la Gran Bretaña de 1848 como reacción contra el arte académico oficial.

La muestra reúne una amplia selección de obras realizadas por mujeres que encontraron en este movimiento una vía para explorar su propia mirada artística en plena sociedad victoriana. Óleos, acuarelas, dibujos, fotografías, textiles, bordados, esmaltes y vidrieras permiten descubrir el trabajo de creadoras como Elizabeth Siddal, Julia Margaret Cameron, Evelyn De Morgan, May Morris y Eleanor Fortescue-Brickdale, entre otras.

La Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una exposición dedicada a Blancha Sánchez Berciano (1948-2007), comisaria, gestora cultural y coleccionista considerada una figura clave en el origen de La Movida Madrileña.

La muestra revisa su trayectoria a través de documentos que ponen en valor su labor y su influencia en la cultura madrileña. La exposición recorre cerca de cuatro décadas de actividad profesional, desde su formación en varias ciudades europeas hasta su trabajo en galerías y centros culturales de referencia. También destaca su interés por el collage y la estética camp, dos elementos que marcaron su forma de entender la creación y la gestión cultural.

El Museo del Prado presenta hasta el próximo octubre una exposición que reúne por primera vez los ocho cuadros realizados por Valeriano D. Bécquer entre 1866 y 1867 como parte de un encargo para el extinto Museo de la Trinidad.

Hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, Valeriano se consolidó como un importante pintor e ilustrador del Romanticismo español, reconocido por su mirada intimista y su interés por lo popular y lo tradicional.

La exposición Italia di Moda llega por primera vez fuera de Italia al Instituto Italiano de Cultura de Madrid. El fotógrafo Andrea Varani y su musa e intérprete exclusiva, Ludmilla Voronkina Bozzetti, reúnen 49 fotografías en las que la moda se funde con los paisajes, la arquitectura y el patrimonio italiano, convirtiendo los vestidos de algunas de las grandes firmas del país en parte de cada escenario.

El proyecto nació de un viaje por las veinte regiones italianas, desde ciudades de arte y pueblos históricos hasta costas y paisajes naturales. En las imágenes, Voronkina Bozzetti se convierte en el hilo conductor de un recorrido que reivindica el Made in Italy más allá de la ropa: una mirada contemporánea a la cultura, la historia y la identidad de un país en la que cada fotografía funciona como un encuentro entre cuerpo, moda y territorio. La muestra cuenta con el patrocinio de la Camera Nazionale della Moda Italiana y Pitti Immagine.

El Museo Nacional de Ciencias Naturales presenta la exposición 'Arte plumario: naturaleza, identidad y poder', que explora cómo las plumas han pasado de ser un simple material a convertirse en un importante símbolo cultural. A través de una selección de piezas, la muestra aborda su uso desde perspectivas como la ciencia, la historia, la antropología y el arte.

La exposición también analiza el impacto que la utilización de plumas tuvo sobre numerosas especies de aves y el surgimiento de los primeros movimientos de conservación. Además, incluye obras de la sombrerera Henar Iglesias, que reinterpreta el arte plumario tradicional con una mirada contemporánea e invita a reflexionar sobre su significado en la actualidad.

Caramelos, pósteres o cortinas de luces llaman la atención del público que acude a la exposición de Felix Gonzalez-Torres en el Museo Reina Sofía. Los visitantes pueden tocar, comer e incluso llevarse piezas; al hacerlo asoman algunas risas nerviosas provocadas por la emocionante sensación de transgredir lo prohibido. Y esa es solo una de las lecturas que la obra del artista, de origen cubano, ofrece.

Esta es la primera gran exposición de Gonzalez-Torres en Madrid, ciudad a la que fue enviado de niño, en 1971, para alejarlo del régimen. Pasó muy poco tiempo aquí, pronto viajó a Puerto Rico y, después, a Nueva York. En 1991 volvió a Madrid y describió este regreso como una "dulce venganza", expresión que ahora titula esta individual.

Organizada en colaboración con el British Museum, esta muestra recorre la vida e influencia de uno de los hombres más poderosos de su época. Bajo su reinado, entre los años 669 y 631 antes de Cristo, el imperio asirio experimentó la mayor de sus expansiones y bonanzas económicas. Además, Asurbanipal impulso las artes y las corrientes de pensamiento.

No obstante, también se conoce que ejerció la violencia y el terror para controlar sus territorios y vasallos. La exposición muestra las luces y las sombras de este curioso personaje histórico a través de objetos asirios procedentes de las colecciones del British, que han resultado cruciales para entender la importancia del reino de Asiria y la influencia de Asurbanipal en su tiempo.

El Banco de España reivindica el arte textil con El plano flexible, una exposición que explora cómo los tejidos pueden hacer mucho más que decorar: organizan espacios, absorben el sonido, cuentan historias y generan experiencias sensoriales, tendiendo puentes entre arte, arquitectura e industria.

La exposición reúne desde alfombras y tapices históricos de la Colección Banco de España, con piezas de la Real Fábrica de Tapices, hasta obras contemporáneas que utilizan el textil para hablar de política, sociedad, feminismo e identidad. Artistas como Esther Ferrer, Teresa Lanceta, Yto Barrada o Dora García demuestran que el tejido también puede ser una herramienta de experimentación y pensamiento, capaz de transformar una tradición en algo contemporáneo.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica una exposición a Kenny Scharf, uno de los nombres fundamentales de la escena artística del East Village neoyorquino de los años 80. La muestra repasa la trayectoria de este pionero del arte urbano contemporáneo, que compartió generación y amistad con Jean-Michel Basquiat y Keith Haring y tuvo a Andy Warhol como mentor.

Pintura, escultura, instalaciones, murales, performance y moda forman parte del universo de Scharf, marcado por el cruce entre cultura popular, surrealismo y criaturas antropomórficas de colores deslumbrantes. El propio artista acuñó el término «surrealismo pop» para definir su particular estilo, que rompe con las jerarquías tradicionales del arte y convierte sus obras en experiencias casi inmersivas. 

La Sala Recoletos de la Fundación MAPFRE presenta una exposición sobre la relación entre el arte de vanguardia y las obras de pacientes psiquiátricos, a partir del trabajo del psiquiatra alemán Hans Prinzhorn y su libro Expresiones de la locura (1922).

La muestra analiza cómo estas creaciones cuestionaron las fronteras tradicionales del arte y ejercieron una importante influencia en las vanguardias, especialmente en el surgimiento del Art brut, además de abordar el contexto cultural en el que se gestó la obra de Prinzhorn.

Martin Parr llega a Madrid con A Matter of Taste, una exposición individual que podrá visitarse en la galería Marc Bibiloni y que reúne una selección dedicada a uno de los fotógrafos británicos más reconocibles de las últimas décadas.

Con su particular mirada sobre la vida cotidiana, el consumo y las costumbres contemporáneas, Parr ha convertido escenas aparentemente banales en imágenes llenas de humor, ironía y color. A Matter of Taste es un recorrido por su trayectoria y una oportunidad para acercarse al universo de un fotógrafo que lleva décadas retratando las contradicciones de la sociedad con una mezcla de sátira y fascinación.

La Casa Árabe acoge una exposición de la artista palestino-canadiense Rehab Nazzal, que reúne fotografías y piezas audiovisuales realizadas entre 2010 y 2026 durante un recorrido por los territorios palestinos ocupados. La muestra documenta paisajes, carreteras y escenas cotidianas para ofrecer un testimonio de la vida bajo la ocupación militar israelí.

Artista, investigadora y académica, Rehab Nazzal desarrolla una práctica que combina fotografía, vídeo, instalación y arte sonoro para abordar cuestiones como la ocupación militar, el colonialismo, la violencia medioambiental y los derechos humanos. Su obra, expuesta internacionalmente, propone una reflexión sobre la memoria, el territorio y la resistencia desde una perspectiva documental y crítica.

La planta 5 de CentroCentro acoge una exposición dedicada a la artista granadina María Lara, conocida como "pintora secreta" porque su obra apenas tuvo difusión pública durante años. La muestra reúne cerca de 40 pinturas y dibujos realizados en los últimos veinticinco años, en los que ha desarrollado una investigación artística marcada por la depuración formal y la intensidad estética.

Los trabajos de Lara se centran en las posibilidades del color, la luz y la composición, alejándose de la representación o la narrativa. A través de franjas horizontales y verticales, campos cromáticos y estructuras aparentemente sencillas, la artista construye obras que trasladan percepciones sensoriales y mentales al plano físico de la pintura.

La Casa de la Arquitectura acoge una exposición dedicada a la revitalización del patrimonio construido en España durante las últimas cinco décadas, mostrando cómo la arquitectura puede ir más allá de la conservación para generar nuevos valores.

La muestra reúne 80 obras de distintas generaciones de arquitectos y arquitectas en todo el país, con proyectos de escalas y usos diversos (culturales, educativos, urbanos o residenciales). Se organiza en ocho líneas temáticas —como Vanguardia, Comunidad, Ciudad o Paisaje— que reflejan distintos enfoques sobre la relación entre patrimonio, territorio y sociedad.

La artista Gema Polanco presenta den el Museo Nacional de Artes Decorativas la instalación 'Toda mi casa es un altar', que transforma el espacio del museo en un entorno íntimo donde lo doméstico y lo sagrado se mezclan a través de tapices, banderas, collages, trajes y amuletos.

Concebida como una intervención site specific, la exposición dialoga con la arquitectura y las colecciones del museo, expandiendo la fotografía hacia lo corporal, lo textil y lo sensorial. El trabajo de Polanco, influido por la artesanía y la cultura popular, convierte objetos cotidianos en elementos simbólicos y propone un recorrido donde la casa se transforma en refugio, ritual y espacio de memoria.

Un espectacular montaje en tono rosa chicle nos recibe en Alcalá 31. Al cruzar estas paredes rosadas viajamos en el tiempo a uno de los momentos más interesantes de la Historia del Arte nacional, la Movida. 'Mitologías modernas: Ouka Leele & Co' toma como punto de partida la obra 'Rapelle toi, Barbara!' realizada por Ouka Leele en 1987, una fotografía de la plaza de Cibeles que obligó a paralizar el tráfico del centro de Madrid para reflexionar sobre el mito de Atalanta e Hipómenes, los leones que tiran del carro de la diosa. El uso de las mitologías clásicas como elemento creativo es el eje vertebrador de la muestra, que reúne más de 100 piezas de artistas como El Hortelano, Ceesepe, Costus o Patricia Gadea, entre otros.

Aún vigentes, los mitos siempre se han utilizado como herramienta para interpretar el presente. En el caso de la Movida, el uso de estas leyendas resulta más que interesante por el momento político y deshace prejuicios sobre el vacío de contenido del arte de los 80. La exposición dedica espacios individuales a Sigfrido Martín Begué, Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano y, por supuesto, a Ouka Leele. Las salas, señalizadas con carteles de neón, presentan a la entrada vídeos de entrevistas o reportajes de los artistas realizados en la época, donde, por ejemplo, podemos escuchar al propio Carlos Franco hablar sobre la figura de Proserpina que incluyó en el mural de la Casa de la Panadería, en la Plaza Mayor, o a Sigfrido Martín Begué hablar sobre si se consideraba un artista moderno.

Ouka Leele ocupa el espacio central, con la obra 'Rapelle toi, Barbara!'. En su sala se muestra una selección de piezas entre las que destacan algunas de la emblemática serie 'Peluquería', 'El Beso' o un bellísimo retrato de Ceesepe realizado en 1984.

En la planta superior encontramos obras de Guillermo Pérez Villalta, Costus, Patricia Gadea, Pablo Sycet o Julio Juste, entre otros, que también utilizaron o se inspiraron en figuras mitológicas para reflejar la efervescencia cultural de la capital, un Madrid que estaba habitado por jóvenes artistas conscientes del momento histórico que vivían y que, más adelante, se terminarían convirtiendo ellos mismos en mitos modernos.

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Incluida en la programación del festival PHotoESPAÑA 2026, el Espacio Fundación Telefónica dedica una exposición a 'Los Americanos', la célebre serie que Robert Frank realizó durante su viaje por Estados Unidos en los años 50.

Considerado un pionero en la renovación del lenguaje fotográfico, Frank transformó la manera de mirar a través de la cámara con un trabajo que se ha convertido en una referencia clave del siglo XX. La muestra reúne por primera vez en España las 83 imágenes que componen íntegramente este proyecto, publicado en 1958 como uno de los libros más influyentes de la historia de la fotografía.

La Galería de las Colecciones Reales presenta una exposición dedicada a Fernando Brambila, que reúne por primera vez un amplio conjunto de sus obras. El pintor, especializado en vistas topográficas, paisajes y perspectivas urbanas, desarrolló gran parte de su trabajo en la representación de los Reales Sitios.

La muestra destaca su serie de vistas encargadas por Fernando VII entre 1821 y 1833, concebidas para los palacios reales y fundamentales en la construcción de la imagen visual de estos espacios. A través de dibujos, pinturas y estampas, la exposición subraya su papel en la difusión de una memoria colectiva del patrimonio real español.

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.