Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

El Museo Reina Sofía presenta la exposición 'La historia no se repite, pero rima', que pone en diálogo el Guernica (1937) de Pablo Picasso con 'African Guernica' (1967) del artista sudafricano Dumile Feni, mostrada por primera vez fuera de su país. La propuesta forma parte de un nuevo programa que confronta obras de distintos contextos para generar nuevas lecturas.

La pieza de Feni, creada en plena era del apartheid, comparte elementos visuales con la de Picasso para denunciar la violencia y la opresión. La exposición invita a comparar ambas obras y reflexionar sobre sus paralelismos y diferencias, ampliando la mirada con otras creaciones del artista sudafricano y subrayando cómo el arte puede resonar entre épocas y geografías distintas.

Con motivo del centenario de su nacimiento, el Conde Duque acoge una exposición dedicada a la figura de Eduardo Chillida, en la que repasa toda su trayectoria a través de más de un centenar de obras.

La exposición reúne esculturas, obra gráfica, dibujos y retratos, ofreciendo una visión amplia del trabajo de uno de los grandes referentes de la escultura del siglo XX. El recorrido permite acercarse a piezas en distintos materiales como hierro, yeso, alabastro u hormigón, además de sus conocidos "Lurrak", y pone especial atención en su obra gráfica, clave para entender su pensamiento artístico. 

Gottfried Helnwein confunde, desafía y perturba con sus obras. El espectacular espacio de SOLO Independencia exhibe más de 40 obras del artista, algunas inéditas, realizadas en las últimas cuatro décadas. Pinturas y fotografías que invitan a adentrarse en el universo de Helnwein, nacido en 1948 en Viena y marcado profundamente por la posguerra europea y el imaginario nazi. 


Helnwein utiliza un lenguaje cercano y asequible, con presencia de figuras procedentes de la cultura popular, como Mickey o el Pato Donald, protagonistas de las primeras salas junto a personajes como Marylin Manson o el propio Hitler, quienes trastornan el carácter infantil de los dibujos animados creados por Walt Disney y producen un choque de sensaciones.


Sus obras generan una inquietante mezcla de desconcierto, placer visual y contradicción

El artista también bebe de la Historia del Arte y son claras las referencias a otros creadores, como por ejemplo Edward Hopper, Andrea Mantegna o Francisco de Goya, cuya influencia lleva a crear la serie 'The disasters of war', pinturas hiperrealistas donde aparecen escenarios catastróficos inspirados en sucesos reales, pero exagerados como si se tratasen de videojuegos o películas de acción; en estas piezas aparecen en primer plano figuras femeninas, similares a las del manga o el anime, en poses sugerentes.

En la misma sala se encuentran obras de Toshio Saeki, Keiichi Tanaami o Ai Wei Wei que subrayan estas ideas de hipersexualidad, fragilidad y violencia, un completo homenaje a los 'Desastres de la guerra' de Goya desde el siglo XXI.


La muestra incluye piezas de la colección personal del artista como los pequeños dibujos 'First love' o 'Untitled (after Andrea Mantegna)', que dejan patente la pericia técnica de Helnwein. Este dominio del dibujo y la pintura contribuye a que obras como 'Epiphany 1 (Adoration of the Magi 4)' y 'Epiphany 2 (Adoration of the Shepherds III)', en las que el artista sustituye a los Reyes Magos y los pastorcillos del portal de Belén por oficiales de la SS, generen una inquietante mezcla de sensaciones donde predomina el desconcierto, el placer visual y la contradicción.

El Museo Reina Sofía dedica una gran retrospectiva a Alberto Greco en la que recorre la trayectoria breve pero explosiva de uno de los nombres clave de la vanguardia experimental. Poeta, performer y flâneur radical, Greco convirtió su propia vida en materia artística y fue el fundador del llamado arte vivo, una práctica adelantada a su tiempo.

La exposición reúne obras realizadas en el periodo que va de 1949 a 1965, entre las que hay escritos, pinturas, acciones, collages y objets vivants, y pone el foco en su gesto más radical: llevar el arte a la calle y confundirlo con la vida cotidiana. Firmar personas, declarar ciudades como obras de arte o intervenir el espacio público formaron parte de una aventura creativa abierta, imprevisible y profundamente contemporánea.

El Museo del Prado presenta una exposición centrada en 'El año del hambre de Madrid' (1818), de José Aparicio, una obra que pasó de ser un fenómeno cultural en el siglo XIX a quedar prácticamente olvidada.

En su momento, el cuadro fue impulsado durante el reinado de Fernando VII, difundido por la prensa y convertido en un referente que trascendió la pintura para colarse en la literatura, la música y el teatro. Sin embargo, su éxito fue efímero y, con el tiempo, tanto la obra como su autor fueron relegados de la historia del arte oficial. 

Organizada en colaboración con el British Museum, esta muestra recorre la vida e influencia de uno de los hombres más poderosos de su época. Bajo su reinado, entre los años 669 y 631 antes de Cristo, el imperio asirio experimentó la mayor de sus expansiones y bonanzas económicas. Además, Asurbanipal impulso las artes y las corrientes de pensamiento.

No obstante, también se conoce que ejerció la violencia y el terror para controlar sus territorios y vasallos. La exposición muestra las luces y las sombras de este curioso personaje histórico a través de objetos asirios procedentes de las colecciones del British, que han resultado cruciales para entender la importancia del reino de Asiria y la influencia de Asurbanipal en su tiempo.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge la exposición 'Bellezas del mundo flotante', que reúne 77 obras maestras del grabado japonés de los siglos XVIII y XIX, procedentes de la Colección Pasamar-Onila. Concretamente, la muestra se centra en el género bijin-ga —imágenes de mujeres bellas— y ofrece un recorrido por la edad de oro de esta tradición artística.

La exposición combina estampas en formato ōban con piezas menos habituales como hashira-e, dípticos, trípticos y un excepcional políptico de seis hojas, tomando como punto de partida obras de Suzuki Harunobu, pionero de la técnica nishiki-e. 

El Museo Thyssen presenta la primera gran retrospectiva en España del danés Vilhelm Hammershøi, un artista que conecta con la modernidad del siglo XX sin perder de vista la herencia de los viejos pintores flamencos.

Cerca de cien obras del autor danés nos acercan a sus interiores fríos e inquietantemente tranquilos. Estas enigmáticas escenas han sido objeto de numerosas interpretaciones en los últimos años y es que la pintura de Hammershøi se ve, pero también se puede escuchar con la mirada. Al observar sus cuadros podemos apreciar el silencio hecho pintura, una quietud tensa, como si algo fuera a suceder, o todo lo contrario, no terminara de ocurrir. Esta muestra quiere poner en diálogo las obras del artista con los maestros del pasado, como los holandeses del siglo XVII, y las grandes figuras del siglo XIX y XX, como Edward Hopper.

El artista asturiano Avelino Sala protagoniza en CentroCentro una exposición que recorre su obra como un ejercicio de resistencia crítica y poética, explorando tensiones entre fragilidad y amenaza, símbolos heredados y nuevos imaginarios.

Sala (Gijón, 1972), artista y editor de la revista 'Sublime', combina la crítica social con la poética visual, abordando temas como migraciones, crisis ambiental y paradojas del capitalismo. 

Fue una de las primeras mujeres que se pudo ganar la vida como fotógrafa, gracias una exposición individual que organizó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Sin embargo, la trayectoria de Helen Levitt arrancó en 1931, cuando comenzó a trabajar en un pequeño estudio de fotografía del Bronx. Los barrios más humildes de Nueva York son, a menudo, escenario de sus fotografías más conocidas. En esta muestra podemos ver estas imágenes y otras inéditas, así como los trabajos que realizó en México en 1941 y una excelente muestra de su obra en color, técnica que abordó a partir de la década de 1950. También se presenta el documental In the Street (1948), que codirigió.

Como curiosidad, Levitt siempre evitó explicar o comentar sus imágenes. Esto ha dado lugar a muchas interpretaciones y versiones, todas válidas, porque el verdadero valor de las fotografías de Levitt es la forma en que conecta con las personas.

Los Jardines del Campo del Moro acogen una exposición que repasa la historia de La Nueve, la compañía integrada por voluntarios de trece nacionalidades, entre ellos 180 españoles republicanos, que combatió al nazismo en la Segunda Guerra Mundial.

La muestra recorre desde sus orígenes en Argelia hasta su papel en la liberación de París. El eje del recorrido es el semioruga M3 "Guadalajara", uno de los vehículos que llegó al Ayuntamiento de París el día de la liberación. La exposición se completa con paneles en el Paseo de Damas y un audiovisual inmersivo en el Chalet de la Reina, que contextualiza las operaciones clave de 1944 y el papel de estos combatientes.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica una exposición a Giovanni Francesco Barbieri, más conocido como Il Guercino, uno de los grandes nombres del barroco italiano. La muestra parte de la obra del museo Jesús y la samaritana en el pozo para explorar cómo el pintor representó a la mujer en los relatos bíblicos, siempre desde una mirada intensa y profundamente humana.

Con préstamos del Museo Nacional del Prado, la Dulwich Picture Gallery y el Musée des Beaux-Arts de Strasbourg, el recorrido reúne seis lienzos donde figuras como Susana, la mujer adúltera o Dalila cobran protagonismo absoluto. Mujeres que encarnan culpa, deseo, arrepentimiento y redención en escenas cargadas de gesto, tensión y narrativa. Una oportunidad para redescubrir el barroco desde una perspectiva centrada en ellas.

El Museo del Prado presenta la tercera edición de El Prado en femenino, dedicada a las grandes figuras femeninas del siglo XVIII que impulsaron su colección artística. La muestra pone el foco en Isabel de Farnesio, destacando su papel clave en la política cultural del periodo y su labor como promotora de una colección que llegó a reunir cerca de mil pinturas, muchas hoy esenciales en el museo.

A través de retratos, documentos y obras, la exposición rescata también a otras reinas como María Luisa Gabriela de Saboya o María Luisa de Parma, subrayando su influencia en el gusto artístico y el coleccionismo real. Comisariada por Noelia García Pérez, la propuesta combina rigor histórico con una mirada contemporánea que reivindica el papel de estas mujeres como verdaderas arquitectas del patrimonio del Prado.

El Museo del Ferrocarril acoge una exposición organizada por Renfe que recorre 85 años de historia visual de la compañía. Con 78 carteles, anuncios y mensajes seleccionados por décadas, la muestra permite seguir la evolución de Renfe desde 1941 hasta hoy, reflejando también los cambios sociales, económicos y culturales de España.

El recorrido se estructura en ocho etapas cronológicas y se completa con un espacio dedicado al diseño y la identidad visual de Renfe, con obras de creadores como Cruz Novillo o Alberto Corazón. Además, incluye anuncios televisivos míticos que forman parte de la memoria colectiva, como Papá, ven en tren o Bienvenido al tren, haciendo de la exposición un viaje nostálgico y gráfico por la historia reciente del país.

La Biblioteca Nacional de España invita a viajar a Armenia de la mano de una exposición dedicada a algunos de los manuscritos más importantes del país. La muestra reúne piezas que permiten acercarse a su riqueza artística y a distintos aspectos de su historia y cultura.

A través de estos códices, el visitante puede descubrir las tradiciones, creencias y la evolución de la cultura manuscrita armenia, reconocida por sus detalladas miniaturas. Las obras reflejan una gran diversidad de estilos y procedencias, fruto de una amplia red de centros culturales, y evidencian la relevancia y proyección internacional de este patrimonio a lo largo del tiempo.

La Real Fábrica de Tapices dedica una exposición al tatreez, el bordado tradicional palestino, con más de 60 piezas históricas y contemporáneas procedentes de museos e instituciones de Oriente Medio.

La muestra, organizada en colaboración con entidades como Tiraz o Inaash, recorre este arte a través de tres momentos que reflejan su evolución y su valor cultural. El itinerario va desde prendas históricas y accesorios de distintas regiones palestinas, que muestran su legado ancestral, hasta obras bordadas por mujeres refugiadas y creaciones contemporáneas de artistas de varios países árabes.

El Museo del Prado acoge, hasta principios de julio, una exposición centrada en el impacto de la fotografía desde su aparición en el siglo XIX como disciplina artística y herramienta para representar la realidad.

A través de fondos propios, la muestra reúne imágenes vinculadas a artistas como los Madrazo, Dióscoro Puebla o Cecilio Pla, combinando obras de autores reconocidos con otras de carácter más desconocido o amateur. El recorrido propone una mirada a la vida y el trabajo de los creadores en sus entornos cotidianos, estudios y espacios de aprendizaje. 

Los artistas ucranianos Roman Khimei y Yarema Malashchuk que analiza cómo la invasión rusa ha transformado el espacio público y la vida cotidiana en su país. A partir de imágenes de cámaras de videovigilancia en Kiev, la muestra revela cómo la guerra quiebra los ritmos diarios y pone en tensión las estructuras democráticas, entre la fragilidad de la paz y la persistencia de la memoria.

Cineastas y artistas visuales desde 2016, Khimei y Malashchuk trabajan entre el documental y la ficción para abordar la historia reciente del país. La exposición reúne tres videoinstalaciones: 'Open World', 'You Shouldn’t Have to See This' y 'Pedagogies of War: War at Distance'. Todas ellas entrelazan experiencia personal y memoria colectiva en un relato visual tan incómodo como necesario.

La vida y la obra de Gloria Fuertes toman la Casa del Lector (en Matadero) con una exposición imprescindible que recorre su trayectoria vital y creativa a través de poemas y fotografías personales, trazando también un retrato del siglo XX.

Fuertes habló de todo lo que importa: amor, guerra, injusticia, libertad, miedo y humor, siempre con un lenguaje directo y cercano que sigue conectando con cualquier generación. La exposición también se adentra en sus textos más íntimos —sus "autobios"—, donde reflexiona sobre por qué escribe y comparte recuerdos y emociones sin filtros. 

El artista brasileño Marlon de Azambuja lleva a La Casa Encendida una instalación escultórica que transforma el espacio en un territorio vivo, donde la materia y la arquitectura dialogan con el pensamiento, invitando al visitante a atravesar, respirar y habitar la obra en lugar de limitarse a observarla. La obra reflexiona sobre el acto de "fundar" y el concepto de museo, planteándolo como un lugar sensible y situado que acoge experiencias y formas de pensamiento más cercanas y participativas.

Marlon de Azambuja, nacido en la ciudad de Porto Alegre en 1978 y afincado en París, trabaja con instalación, escultura, vídeo, fotografía y dibujo para cuestionar la relación entre espectador, espacio y arquitectura. Sus intervenciones, precisas y contenidas, buscan desvelar lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad y abrir nuevas lecturas críticas sobre la ciudad y los sistemas que organizan nuestra percepción del mundo.

Las salas de exposiciones temporales del Museo Nacional de Antropología acogen una muestra de la artista Agnes Essonti, integrada en la programación especial por el 150º aniversario de la institución.

La exposición gira en torno a la investigación de Essonti sobre la restitución de objetos expoliados y su dimensión espiritual, comunitaria y simbólica. A través de imágenes y piezas propias que dialogan con fondos del museo, la artista propone formas de comunicación más allá de la palabra y reflexiona sobre la identidad afrodescendiente y su vínculo con África central, territorio ancestral de referencia.

El Thyssen celebra el centenario de Robert Rauschenberg con 'Rauschenberg: Express. Dentro y fuera del taller', una exposición que gira en torno a 'Express' (1963), una de las obras clave del artista estadounidense, y propone una lectura renovada de su universo creativo desde la iconografía hasta su inconfundible espíritu experimental.

La exposición explora cómo Rauschenberg rompió las barreras entre disciplinas y colaboró con la danza, la performance o la ciencia, consolidando una forma de entender el arte abierta y radicalmente contemporánea. Una cita imprescindible para entender por qué su obra marcó un antes y un después tras su consagración en la Bienal de Venecia y por qué sigue influyendo en el arte actual.

La Fundación María Cristina Masaveu Peterson alberga una exposición fotográfica que incluye una selección de imágenes realizadas entre los años 30 y comienzos del siglo XXI por autores de distintas generaciones, desde Antonio Arissa y José Alemany hasta creadores más recientes como Eva Lootz, Alberto García-Alix o José María Díaz-Maroto.

Las fotografías recorren temas como el mundo del trabajo, el paisaje o la relación con los objetos y el cuerpo, con imágenes que capturan momentos cotidianos y simbólicos de la vida en España. Algunas piezas destacan por condensar toda una época en un solo instante, como 'Seminario de Madrid' de Ramón Masats, mientras que otras aportan miradas únicas como la de Horacio Coppola, sumando diversidad y valor artístico al conjunto.

El Museo del Romanticismo presenta una exposición que revisita la estética romántica a través de diseños de grandes nombres de la moda de los siglos XX y XXI, como Balenciaga, Pertegaz, Pedro Rodríguez o Bibian Blue.

Las piezas, cedidas por la Fundació Antoni de Montpalau, dialogan con las colecciones del museo y actualizan la sensibilidad decimonónica desde la alta costura contemporánea. La última sala reúne figurines y trajes de Pedro Rodríguez, estableciendo un vínculo directo con la historia del propio museo. 

La artista argentina Mariela Scafati expone por primera vez en España, en una muestra que recorre su trayectoria a través de obras que parten de la pintura pero la expanden hacia la escultura, la instalación y el mural, utilizando el lienzo no solo como soporte sino como espacio de experimentación. 

El trabajo de Scafati combina color y palabra para construir piezas que exploran la subjetividad colectiva y reformulan géneros tradicionales como el retrato o el paisaje. Entre las obras destacan instalaciones como Familia (Daniel, Kinga y Maite) o la serie Windows, donde incorpora textos extraídos del discurso cotidiano, conectando su práctica con referencias a la tradición vanguardista y a la cultura visual contemporánea.

La Fundación Casa de México en España acoge, dentro del programa ARCO Guest, una exposición que revisa de forma crítica la historia del arte moderno en México y América Latina. La muestra reúne por primera vez en Europa una selección de obras de artistas clave como Diego Rivera, José Clemente Orozco o David Alfaro Siqueiros, poniendo en valor figuras a menudo olvidadas en los relatos tradicionales.

Con cerca de cien piezas procedentes de la colección de Marcos Micha Levy, la exposición propone un recorrido por las vanguardias mexicanas y su diálogo con movimientos latinoamericanos como el surrealismo o el arte cinético. Además, explora los intercambios culturales con artistas internacionales, mostrando cómo estos cruces contribuyeron a definir el panorama artístico del siglo XX en el continente.

El Museo Nacional de Antropología acoge una retrospectiva de Elena del Rivero, dentro de su 150º aniversario y el programa Visiones críticas. Comisariada por Mateo Feijoo, la muestra revisa la trayectoria de la artista a partir de un proyecto que conecta memoria, territorio y creación contemporánea.

El eje de la exposición parte de una experiencia en un pueblo de Ourense, donde sus obras fueron expuestas en espacios cotidianos y, tras meses a la intemperie, finalmente quemadas en un acto colectivo. A partir de objetos en desuso, ensamblajes y collages, Del Rivero construye un archivo íntimo que reflexiona sobre el paso del tiempo y el valor de lo residual, completado con la pieza Canto para un monumento funerario en el Panteón de España.

El Museo de Arte Contemporáneo, ubicado en el Conde Duque, acoge una exposición centrada en la apariencia exterior de las tiendas, un elemento clave en la identidad urbana. A través de fachadas y escaparates, distintos artistas muestran cómo han cambiado las ciudades y cómo estos espacios funcionan como espejos que reflejan nuestra vida cotidiana.

La muestra, ubicada en la segunda planta del Museo, reúne obras de creadores que han explorado esa fascinación por los escaparates. El recorrido incluye figuras esenciales como Alfredo Alcain o Amalia Avia, junto a fotógrafos como César Lucas y Gerardo Vielba, y se completa con miradas contemporáneas como las de Ángel Sanz, Boris Savelev y Amy Chang.

La Fundación Mapfre decica una amplia exposición a Anders Zorn, uno de los grandes pintores suecos de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Zorn fue un maestro del óleo, la acuarela y el grabado, y alcanzó fama internacional como retratista de reyes, presidentes y figuras clave de su tiempo. Todo ello, con un estilo propio marcado por la luz y la modernidad.

El recorrido abarca desde sus primeras acuarelas hasta su consolidación en París y Londres, sus viajes a Estados Unidos y su mirada íntima sobre la vida cotidiana en Suecia. La muestra reúne retratos, desnudos y paisajes, incluyendo su etapa española en ciudades como Sevilla, Cádiz y Granada, y subraya el diálogo artístico que mantuvo con Joaquín Sorolla, conectando la pintura nórdica con la tradición mediterránea.

Un reciente hallazgo publicado en la revista 'Nature' sitúa en Indonesia la obra de arte más antigua conocida: la silueta de una mano en una cueva de hace casi 68.000 años. Desde ese gesto primitivo hasta la pintura actual de Javier Ruiz, la historia del arte puede entenderse como una evolución constante en la forma de representar y cuestionar la realidad.

La obra de Ruiz, que expone por primera vez en VETA by Fer Francés, se mueve precisamente en ese terreno, combinando procesos artesanales con una reflexión contemporánea sobre la imagen. A través de pigmentos trabajados de forma casi escultórica, su pintura conecta lo ancestral con lo actual, planteando una mirada íntima que explora la relación entre materia, percepción y significado en un mundo saturado de imágenes.

La Casa de América alberga una exposición que recorre la evolución de la escultura desde finales del siglo XIX hasta hoy, con 50 obras de 41 artistas de la Colección ABANCA. El itinerario va desde los inicios del modernismo y los estilos regionales hasta la renovación de la posguerra, con nombres como Baltasar Lobo, Eduardo Chillida o Jorge Oteiza, y culmina en propuestas más contemporáneas que exploran nuevos límites del lenguaje escultórico.

La muestra también incorpora piezas de artistas como Pablo Picasso o Fernand Léger, proponiendo un diálogo entre escultura y pintura que invita a repensar el papel de este arte. En conjunto, presenta la escultura como un lenguaje vivo, capaz de evolucionar y transformar la manera en que percibimos el espacio, dentro de una colección de gran valor artístico y patrimonial.

El Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa acoge 'Pelo de tormenta', una exposición dedicada a Francisco Nieva, que conmemora los diez años de su fallecimiento y el aniversario del estreno de su obra Pelo de tormenta.

La muestra, repartida en varios espacios del centro, rinde homenaje a uno de los autores más singulares del teatro español. A través de vestuario original, fotografías y documentos del montaje de 1997, la exposición reconstruye el proceso creativo de la obra. Entre las piezas destacan los diseños de Pedro Moreno y materiales que recuerdan a un reparto con nombres como Pilar Bardem o Rossy de Palma, ofreciendo una mirada completa a este hito escénico.

El Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico de Madrid acoge una exposición que conecta arte, moda y ecología de la mano de la artista neerlandesa Claudy Jongstra, quien propone una reflexión visual sobre los grandes retos ambientales actuales.

El recorrido incluye diseños de Marcos Luengo elaborados con textiles biodinámicos de la colección LOADS, creada por Claudy y Jesk Jongstra, además de una obra del artista digital Iván Puñal. Sobre la mesa: la pérdida de hábitats naturales, la protección de la flora autóctona y el impacto ambiental de la lana en la industria textil.

El artista Ángel Marcos lleva al Lázaro Galdiano una muestra concebida específicamente para el centro. A través de tres instalaciones, la exposición reflexiona sobre el acto de habitar más allá de lo físico, como una experiencia emocional donde el paisaje se convierte en memoria y refugio.

El recorrido se articula en torno al agua, la casa y el viaje, combinando fotografía y vídeo en distintos espacios del museo. Las piezas abordan temas como la búsqueda de una vida mejor, la relación con el entorno y el equilibrio entre lo íntimo y lo infinito. En conjunto, la exposición propone una mirada que va más allá del territorio como escenario, explorándolo como un espacio atravesado por huellas humanas y tensiones sociales, y difuminando los límites entre documentación y creación artística.

En el marco del programa Vitrina de Antropología (In)visible, el Museo de Antropología alberga una nueva exposición que pone el foco en las experiencias de migración y desplazamiento. A través de objetos e imágenes, la muestra habla de esperas, rupturas y transformaciones, alejándose de los grandes titulares para centrarse en las historias materiales y cotidianas que deja el movimiento humano.

La muestra propone mirar la migración más allá de la pérdida, subrayando también los procesos de adaptación, reinvención e identidad que nacen del tránsito. Desigualdades económicas, fronteras y herencias coloniales atraviesan el relato, pero también la capacidad de las personas para recomponer vínculos, conservar memorias y generar nuevas formas de habitar el mundo. 

Madrid es la gran protagonista de la exposición que el Museo de Historia, con una selección de obras de José Miguel Palacio que convierten la ciudad en un escenario en constante movimiento. Más de 70 óleos, junto a esculturas y dibujos, retratan el pulso urbano con un hiperrealismo casi fotográfico: aviones, carreteras, reflejos en parabrisas o escenas de la Gran Vía capturadas desde una mirada obsesiva por el detalle y el ritmo frenético de la vida cotidiana.

Uno de los puntos fuertes es el políptico 'Madrid al cielo', compuesto por 30 pinturas que elevan la mirada sobre calles, plazas y estaciones emblemáticas como Callao, Atocha o Serrano. Palacio, artista multidisciplinar que desde el año 2000 se ha volcado en el hiperrealismo, firma aquí un retrato contemporáneo de Madrid que oscila entre la precisión técnica y la fascinación por una ciudad que nunca se detiene.

La Casa Árabe acoge una exposición del artista iraquí Hanoos Hanoos en la que el mito de Babel se cruza con la historia reciente de Iraq para reflexionar sobre una herencia cultural marcada a la vez por el esplendor y la tragedia.

A través de un lenguaje visual cargado de simbolismo, el artista conecta lo ancestral y lo contemporáneo para hablar de poder, violencia y fragilidad humana desde una perspectiva personal y colectiva. 

El espacio Nave 0 del centro cultural Matadero Madrid acoge la primera muestra individual de Mónica Mays en una institución española, dentro del programa Abierto x Obras. La exposición, titulada 'Pulgar', presenta una instalación site specific que combina objetos e historias para generar relaciones entre resto y transmisión, explorando cómo afecto, violencia y deseo circulan a través del mito y la materia.

La obra de Mónica Mays no busca representar ni explicar, sino crear experiencias perceptivas. Componentes industriales, fragmentos domésticos, materiales orgánicos y elementos rituales se ensamblan en configuraciones que oscilan entre atracción y repulsión, equilibrio y precariedad.

José María Sicilia interviene las estancias más emblemáticas del Palacio de Liria con una serie de obras y una instalación creadas expresamente para el lugar, integrando las piezas con la arquitectura y la memoria del palacio.

La exposición combina obras recientes con piezas de etapas anteriores del artista, ofreciendo una visión amplia de su trayectoria y creando un recorrido sensorial y conceptual por espacios como la biblioteca, el salón de baile y los salones de la emperatriz Eugenia de Montijo. 

Ana Locking es una diseñadora de moda consolidada, con más de 20 años de trayectoria, y conocida por combinar propuestas arriesgadas con cuestiones sociales. En esta retrospectiva se repasa su carrera, desde que comenzó a trabajar en el taller de confección de su madre, sus estudios en Bellas Artes o la primera marca que creó, Locking shocking, en 1996, hasta llegar, en 2008, a la firma que lleva su nombre.

En sus diseños, Locking fusiona artesanía y experimentación, sin dejar de lado la atención al detalle y la practicidad de las prendas. Cada colección responde a unos intereses sobre el arte contemporáneo, la actualidad y las propias vivencias de la diseñadora. Además, Locking colabora en proyectos artísticos de instituciones públicas y privadas.

La Filmoteca Española propone echar un vistazo a nuestra propia historia con 'NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo'. La exposición pone el foco en los noticiarios y documentales que durante décadas moldearon el imaginario colectivo, disfrazando propaganda de entretenimiento y construyendo un relato oficial tan eficaz como perturbador.

Ocho décadas después de su nacimiento, la muestra se pregunta qué hacemos hoy con esas imágenes y qué lugar ocupan en nuestra memoria audiovisual. El proyecto dialoga con la propia misión del centro: conservar, contextualizar y activar el cine como herramienta crítica, no solo como archivo del pasado, sino como espejo incómodo del presente.

La exposición del Museo Nacional de Artes Decorativas pone el foco en las aportaciones de varias investigadoras estadounidenses entre los siglos XIX y XX a la transformación del espacio doméstico. A través de sus propuestas, se plantea un cambio de mirada que integra el papel de las mujeres como organizadoras del hogar dentro del nuevo contexto económico y social de la época.

La muestra revisa cómo estas ideas influyeron en la concepción moderna de la vivienda. Figuras como Catharine Beecher, Christine Frederick y Lillian Gilbreth entendieron la casa como un espacio productivo que debía optimizar el trabajo doméstico. Sin cuestionar el hogar como ámbito femenino, apostaron por racionalizarlo mediante diseño, organización y mecanización, anticipando planteamientos del Movimiento Moderno.

El fotógrafo Ziyi Le, ganador del Premio Leica Oskar Barnack 2023 en la categoría Revelación, reúne en Leica Gallery una serie de retratos íntimos y directos sobre identidad, dudas existenciales y la búsqueda de sentido en el presente.

El proyecto nació de un momento personal de vacío del propio artista, que encontró a los protagonistas a través de la red social Weibo, capturando un estado de ánimo colectivo más que rostros individuales. Imágenes sobrias, empáticas y cargadas de honestidad que funcionan casi como un espejo generacional. 

El Museo ABC alberga una pequeña exposición que reúne aspectos más significativos de la Colección ABC, tomando como punto de partida a Torcuato Luca de Tena como fundador de Blanco y Negro y ABC, de su archivo y de la importancia que siempre le dio al arte y la ilustración.

La muestra se compone de 29 originales y varios soportes digitales que muestran fotografías y más ilustraciones, que presentan un recorrido por la historia de la Colección ABC desde sus inicios en el lejano 1891.

El Museo Casa de la Moneda acoge la muestra 'El nacimiento de la moneda. Tesoros de la colección Zhuyuetang', una exposición que reúne 148 piezas singulares procedentes de una de las colecciones privadas más relevantes del mundo.

La muestra invita a recorrer los dos primeros siglos de la historia de la moneda, desde su invención en el oeste de la actual Turquía a mediados del siglo VII a.C., hasta su consolidación como instrumento esencial en la vida económica, social y política del Mediterráneo antiguo.

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.

El exterior de la Nave 15 del Matadero acoge una conmovedora exposición de Estela de Castro que reúne 22 retratos pertenecientes a su proyecto 'The Animals', una serie que reivindica la fotografía como espacio de memoria y conciencia.

Durante dos años, la artista retrató a 122 animales en santuarios y centros de rescate, capturando con sobriedad y respeto la huella de vidas marcadas por la explotación o el abandono. En cada mirada hay una historia concreta, una presencia que interpela al espectador y lo invita a reconocer la individualidad de quienes suelen quedar fuera del foco social. Lejos de la espectacularidad o el artificio, De Castro apuesta por la calma y la cercanía como formas de resistencia. 

Pintada por Pedro Pablo Rubens en 1638, 'El martirio de San Andrés' es una de las grandes obras del pintor alemán, y una de las que mejor refleja la teatralidad y el dramatismo propios del Barroco.

La obra representa la crucifixión de este apóstol en una cruz en forma de aspa, conocida como cruz de San Andrés. Una escena que no solo impacta por su belleza, sino que también transmite un mensaje de entrega y devoción religiosa.

En el contexto de la temporada shakesperiana del Teatro Real, 'El sueño de una noche de verano' rinde homenaje a Julia Margaret Cameron, pionera del retrato fotográfico en el siglo XIX, a través de una selección de imágenes y reproducciones emblemáticas.

La muestra establece un diálogo entre la fotografía y el teatro, entre el claroscuro de las emociones humanas y la luz simbólica de los grandes relatos.